Dirk Laucke macht tatsächlich beides. Auf der einen Seite bildet er sehr luzide die gesellschaftlichen Verwerfungen des Jahres 2015 ab und erzählt ganz lakonisch vom Scheitern nahezu aller Bemühungen seiner Figuren. Auf der anderen schlägt er mit seinen pointierten Dialogen und komödiantischen Zuspitzungen einen überraschend hoffnungsvollen Ton an. Und den greift Regisseur Florian Fiedler dankbar auf. Er setzt in seiner spielerisch leichten Uraufführungsinszenierung vor allem auf die Komik der Szenen wie der (verbalen) Gefechte. (…) Laucke und Fiedler bieten keine politischen und gesellschaftlichen Patentlösungen an. Sie setzen auf die versöhnende Kraft der Gleichzeitigkeit des Ungleichzeitigen. So kann das Ensemble in einem Augenblick den SLIME-Song "Sie wollen wieder schießen dürfen" anstimmen und im nächsten Moment die integrative Kraft der "neuen deutschen Volksmusik" einer "Keliné Fischer" feiern. Punk und Pop harmonisch vereint, auch das muss einem erst einmal gelingen. Sasha Westphal Nachtkritik 3.6.18

"Ein Stück wie gutes Pfefferminzbonbon: Auch wenn es längst weg ist, kaut man noch eine Weile darauf herum," schreibt Jens Dirksen in der WAZ (4.6. 2018) Dirk Laucke hat aus seiner Sicht "in der Manier eines Ödön von Horvath, fünf Figuren aus Schichtsprache und Hochdeutsch-Witz erzeugt, die der Realität furchtbar nahe kommen, ohne Verwechslungsgefahr aufkommen zu lassen. Dialog-Sätze fliegen dem Publikum um die Ohren, als wär's ein Battle-Rap, und die 80 Minuten rasante Inszenierung des Hausherrn Florian Fiedler im spartanischen Bühnenbild würde auch dann erfrischend jung wirken, wenn die fünf Schauspieler nicht so punktgenau besetzt wären und eine grandios kernige Vorstellung abliefern würden."

Laucke habe sein Stück "dem jungen, multikulturellen Ensemble gebrauchsfertig in den Mund gelegt". Der Autor habe ein gutes Gehör, "der Jargon seiner Figuren passt perfekt zur Mentalität des Ruhrgebiets und zu dessen lakonischem Humor", schreibt Martin Krumbholz in der Süddeutschen Zeitung (6.6.2018). Florian Fiedler setze auf ein enormes Tempo, seine Methodik verlange den durchtrainierten Schauspielern körperlich eine Menge ab, wobei die Akrobatik nie zum Selbstzweck werde. "Die Fantasie der Zuschauer spielt bei dieser Art Gebrauchstheater eine Hauptrolle. Lösungen werden nicht angeboten, die Konflikte bleiben akut, Glücksmomente sind rar, Verständnis für die Perspektiven der anderen ist mühsam zu erarbeiten."

“Man sollte meinen, wenn Wolfgang Petry gesungen wird, sei endgültig nichts mehr zu retten. Da stakst nun einer der Soldaten, die eigentlich brandschatzend durch den Dreißigjährigen Krieg ziehen sollen, in Stöckelschuhen über die Bühne und grölt zur "Wahnsinn! Warum schickst du mich in die Hölle?"-Melodie: "Fressen, saufen, huren – huren! huren! huren! Das ist unser Werk auf Erden!" Und wie er so am kahlen hinteren Bühnenrand steht, die Hände beim Singen über den Kopf schlägt und eine imaginäre Meute anfeuert, die ihm nicht antwortet, schleicht sich jenes Gefühl ein, das diesen bitteren Theaterabend von Anfang bis Ende durchdringt: abgrundtiefe Traurigkeit. (…) Übrig bleibt die intensive Studie eines Verfalls, der unausweichlich zu sein scheint und direkt in unsere Gegenwart und ihre militärischen Grundsatzfragen vorstößt. Eine untröstliche Klage über den Verlust der Unschuld, mehr kann und will dieser Abend nicht sein. Es genügt.” André Mumot, nachtkritik, 6.10.

Eva Behrendt in der Frankfurter Rundschau (7.10.) findet, dass der "Geschichtspessimismus" schon lange nicht mehr so "grausig und lustig verspielt" ausgesehen habe wie hier bei Florian Fiedler und dem "Simplicissimus" von Grimmelshausen/Voima. (…) Dem naiven Helden auf seinem Weg durch ein "postindustrielles" "Schlachtfeld" begegne ein "Panoptikum" "seltsam schriller Fabel-und Zwitterwesen", und am Ende sitze er "wieder allein auf dem Schlachtfeld, vor einer Raviolidose, die er mit dem Schürhaken aufgehackt hat. Als "sein alter Landsknecht-Kumpel Oliver auftaucht, erschießt er ihn, ohne hinzusehen."

„Am Ende überzeuge „die dunkle, zivilisationskritische" Grundhaltung“. Dass Fiedler nicht das Schelmenstück als solches inszeniert, sondern sich auf die "seelischen Kollateralschäden des Krieges" konzentriert habe: "Wie Simplicissimus, der reine Tor, hier seine Naivität und Unschuld verliert, zielt mit einem finalen Schuss untröstlich in unsere Gegenwart.“ Christine Dössel in der Süddeutschen Zeitung (7.10.)

“Wie ändert sich in sieben Jahren der Blick auf ein Erstlingsdrama, das seinerzeit als veritables Horrorstück in die Theatergeschichte einging? Eine ganz normale vierköpfige Familie: Die pubertierenden Kinder sind inzestuös ineinander verwoben, Kurt bastelt in der Garage Molotowcocktails und wirft sie in fremde Häuser, am Schluss erschlagen die Geschwister ihre Eltern mit dem Hammer, und Kurt zündet sich selbst an.

Eine Begründung gibt es für die Häufung der Krassheiten letztlich nicht; die These von der terroristischen Struktur der klassischen bürgerlichen Kleinfamilie ist eine stehende Größe, als solche unhinterfragbar. Und so sucht Florian Fiedler in seiner Düsseldorfer Inszenierung auch gar nicht erst nach psychologischen Motivketten, sondern nimmt den atem- und szenenübergangslosen Text des Marius von Mayenburg zum Anlass eines dichten Theaterabends, der seine Plausibilität in sich selbst, in seiner ästhetischen Form findet und nicht im psychosozialen Kontext.”

Martin Krumbholz, theater heute

“Der 26-jährige Florin Fiedler hat "Der Kuss des Kohaku" uraufgeführt, und unter seiner Regie ist im Malersaal etwas entstanden, das man als Glücksfall bezeichnen kann.

Es ist ein starker Text mit rasanten wie radikalen Dialogen, die ihren Witz auf der Bühne entfalten, wenn die Schauspieler die Widerhaken ihrer Figuren auswerfen, wenn die Regie sich der Kunstfertigkeit des Textes, der sich auf eine merkwürdige Weise dem Spiel verweigert, selbstbewusst, aber irritiert nähert. Eine Stunden und zehn Minuten dauert das Spiel der vier (Sylvester Groth, Maja Schöne, Bjarne Mädel und Lisa-Marie Janke) um Fisch, Luft und Liebe. Die Szenen werden durch kurze Blacks und beschwingte Streicherklänge aus dem Off (Musik: Lieven Brunckhorst) portioniert, was wie ein Aufatmen, ein Moment des Luftholens ist, und die Musik steht dabei in einem irritierenden Gegensatz zur Schwere der beiden Paare, die nicht wissen, was man tut, wenn man sich liebt. (…)

Dem Text wohnt nicht nur eine subtile Komik inne, sondern auch eine artifizielle Distanzierung von den eigenen Sätzen. Peter Stamms Text ist zugleich todernst und in höchstem Maße selbstironisch. Das raut die klassisch angelegte Paarkonstellation auf und zwingt zu stilisiertem Spiel, um nicht Oberflächen zu bedienen. Wunderbare Schauspieler also, (…) Bei Maja Schöne ist zum ersten Mal zu ahnen, dass eine große Dame des Schauspiels in ihr steckt.”

Hella Kemper, Die Welt, 3.5.2004