Dirk Laucke macht tatsächlich beides. Auf der einen Seite bildet er sehr luzide die gesellschaftlichen Verwerfungen des Jahres 2015 ab und erzählt ganz lakonisch vom Scheitern nahezu aller Bemühungen seiner Figuren. Auf der anderen schlägt er mit seinen pointierten Dialogen und komödiantischen Zuspitzungen einen überraschend hoffnungsvollen Ton an. Und den greift Regisseur Florian Fiedler dankbar auf. Er setzt in seiner spielerisch leichten Uraufführungsinszenierung vor allem auf die Komik der Szenen wie der (verbalen) Gefechte. (…) Laucke und Fiedler bieten keine politischen und gesellschaftlichen Patentlösungen an. Sie setzen auf die versöhnende Kraft der Gleichzeitigkeit des Ungleichzeitigen. So kann das Ensemble in einem Augenblick den SLIME-Song "Sie wollen wieder schießen dürfen" anstimmen und im nächsten Moment die integrative Kraft der "neuen deutschen Volksmusik" einer "Keliné Fischer" feiern. Punk und Pop harmonisch vereint, auch das muss einem erst einmal gelingen. Sasha Westphal Nachtkritik 3.6.18

"Ein Stück wie gutes Pfefferminzbonbon: Auch wenn es längst weg ist, kaut man noch eine Weile darauf herum," schreibt Jens Dirksen in der WAZ (4.6. 2018) Dirk Laucke hat aus seiner Sicht "in der Manier eines Ödön von Horvath, fünf Figuren aus Schichtsprache und Hochdeutsch-Witz erzeugt, die der Realität furchtbar nahe kommen, ohne Verwechslungsgefahr aufkommen zu lassen. Dialog-Sätze fliegen dem Publikum um die Ohren, als wär's ein Battle-Rap, und die 80 Minuten rasante Inszenierung des Hausherrn Florian Fiedler im spartanischen Bühnenbild würde auch dann erfrischend jung wirken, wenn die fünf Schauspieler nicht so punktgenau besetzt wären und eine grandios kernige Vorstellung abliefern würden."

Laucke habe sein Stück "dem jungen, multikulturellen Ensemble gebrauchsfertig in den Mund gelegt". Der Autor habe ein gutes Gehör, "der Jargon seiner Figuren passt perfekt zur Mentalität des Ruhrgebiets und zu dessen lakonischem Humor", schreibt Martin Krumbholz in der Süddeutschen Zeitung (6.6.2018). Florian Fiedler setze auf ein enormes Tempo, seine Methodik verlange den durchtrainierten Schauspielern körperlich eine Menge ab, wobei die Akrobatik nie zum Selbstzweck werde. "Die Fantasie der Zuschauer spielt bei dieser Art Gebrauchstheater eine Hauptrolle. Lösungen werden nicht angeboten, die Konflikte bleiben akut, Glücksmomente sind rar, Verständnis für die Perspektiven der anderen ist mühsam zu erarbeiten."

Besetzung

LONGLIST BERLINER THEATERTREFFEN

“Man sollte meinen, wenn Wolfgang Petry gesungen wird, sei endgültig nichts mehr zu retten. Da stakst nun einer der Soldaten, die eigentlich brandschatzend durch den Dreißigjährigen Krieg ziehen sollen, in Stöckelschuhen über die Bühne und grölt zur "Wahnsinn! Warum schickst du mich in die Hölle?"-Melodie: "Fressen, saufen, huren – huren! huren! huren! Das ist unser Werk auf Erden!" Und wie er so am kahlen hinteren Bühnenrand steht, die Hände beim Singen über den Kopf schlägt und eine imaginäre Meute anfeuert, die ihm nicht antwortet, schleicht sich jenes Gefühl ein, das diesen bitteren Theaterabend von Anfang bis Ende durchdringt: abgrundtiefe Traurigkeit. (…) Übrig bleibt die intensive Studie eines Verfalls, der unausweichlich zu sein scheint und direkt in unsere Gegenwart und ihre militärischen Grundsatzfragen vorstößt. Eine untröstliche Klage über den Verlust der Unschuld, mehr kann und will dieser Abend nicht sein. Es genügt.” André Mumot, nachtkritik, 6.10.

Eva Behrendt in der Frankfurter Rundschau(7.10.) findet, dass der "Geschichtspessimismus" schon lange nicht mehr so "grausig und lustig verspielt" ausgesehen habe wie hier bei Florian Fiedler und dem "Simplicissimus" von Grimmelshausen/Voima. (…) Dem naiven Helden auf seinem Weg durch ein "postindustrielles" "Schlachtfeld" begegne ein "Panoptikum" "seltsam schriller Fabel-und Zwitterwesen", und am Ende sitze er "wieder allein auf dem Schlachtfeld, vor einer Raviolidose, die er mit dem Schürhaken aufgehackt hat. Als "sein alter Landsknecht-Kumpel Oliver auftaucht, erschießt er ihn, ohne hinzusehen."

„Am Ende überzeuge „die dunkle, zivilisationskritische" Grundhaltung“. Dass Fiedler nicht das Schelmenstück als solches inszeniert, sondern sich auf die "seelischen Kollateralschäden des Krieges" konzentriert habe: "Wie Simplicissimus, der reine Tor, hier seine Naivität und Unschuld verliert, zielt mit einem finalen Schuss untröstlich in unsere Gegenwart.“ Christine Dössel in der Süddeutschen Zeitung (7.10.)

Besetzung

“Wie ändert sich in sieben Jahren der Blick auf ein Erstlingsdrama, das seinerzeit als veritables Horrorstück in die Theatergeschichte einging? Eine ganz normale vierköpfige Familie: Die pubertierenden Kinder sind inzestuös ineinander verwoben, Kurt bastelt in der Garage Molotowcocktails und wirft sie in fremde Häuser, am Schluss erschlagen die Geschwister ihre Eltern mit dem Hammer, und Kurt zündet sich selbst an.

Eine Begründung gibt es für die Häufung der Krassheiten letztlich nicht; die These von der terroristischen Struktur der klassischen bürgerlichen Kleinfamilie ist eine stehende Größe, als solche unhinterfragbar. Und so sucht Florian Fiedler in seiner Düsseldorfer Inszenierung auch gar nicht erst nach psychologischen Motivketten, sondern nimmt den atem- und szenenübergangslosen Text des Marius von Mayenburg zum Anlass eines dichten Theaterabends, der seine Plausibilität in sich selbst, in seiner ästhetischen Form findet und nicht im psychosozialen Kontext.”

Martin Krumbholz, theater heute

Besetzung

“Brutal poetisch und poetisch brutal
Umjubelte Premiere im Malersaal

Zwei Körper, eng umschlungen und ineinander verhakt, rollen sekundenlang durch den weiten grauen Raum. Aus den Lautsprechern dröhnt aggressiver Rap. Plötzlich hält das Körperknäuel inne, löst sich und zwei Jungen treten auseinander. Der eine, Maxim, steht verschüchtert in der hintersten Ecke des Raumes Der andere, Ljoscha, grinst, zündet sich eine Zigarette an und lehnt sich gelassen zurück: War doch nur Spaß!

Oder nicht?

Das Gerangel der beiden in Hass verbundenen Freunde ist so eine Szene, in der das Theater des Florian Fiedler die Trumpfkarte der Sinnlichkeit ausspielt.(…)

Das größte Highlight des Abends aber ist seine dichte Sprache, die zugleich poetisch brutal brutal poetisch den Zuhörer mitten ins Herz trifft. Da gelangt die Inszenierung zuweilen weit über die Strategie des Betroffenmachens hinaus.”
K. MÜLLER-ROSELIUS, Die Welt, 8.11.2002

“Regisseur Florian Fiedler, gerade mal 25 und derzeit vor allem in Basel und München tätig, bricht nach Marthalerschem Vorbild den Fluss der Szenen durch Gesangseinlagen, und schafft so ein zartes, atmosphärisches Gegengewicht, das die brutalen Szenen fies verstärkt.

In Hamburg wird bereits gewitzelt, dass Schauspielhaus-Intendant Tom Stromberg inzwischen seinen Kindergarten ins Rennen schickt. Stimmt, die Mannschaft für die Produktion, immerhin eine deutschsprachige Erstaufführung, war jung. Aber sie holte für den umstrittenen Theaterleiter ein paar Kastanien aus dem Feuer. „Plastilin" ist die vierte Premiere, aber die erste wirklich interessante Inszenierung dieser Spielzeit.
Gottfried Krieger Südkurier,
19. November 2002

“Florian Fiedler hat ein Stück auf die Bühne gebracht, das absurd ist und trotzdem berührt. Am Ende ist Maksim tot und zwei Frauen machen sich über seine Turnschuhe her. Trotzdem: Es gibt Hoffnung in seinem Stück, versichert Wassilij Sigarew. Aber um die zu sehen, muß man wohl in einer kleinen Stadt im Ural großgeworden sein. Rauschender Beifall.”
NDR 90,3: Abendjournal 11. Oktober 2002,

«Plastilin» hat im Hamburger Schauspielhaus am Donnerstagabend eine gelungene Premiere gefeiert. Mit kräftigem Applaus und vereinzelten Bravo-Rufen wurden das eltköpfige Ensemble sowie der Regisseur Florian Fiedler nach der Erstaufführung belohnt.

Die Inszenierung präsentierte sich geschlossen und gekonnt zugespitzt. Dem 25-jährigen Fiedler ist es gelungen, die immer präsente Gewalt einer sozial kalten Gesellschaft heraus zu arbeiten und den Zuschauern begreifbar zu machen.”
InNet, 7.11.2002

“(…) Der Regisseur Florian Fiedler hat dies durch einige kluge Striche und eine zurückhaltende Inszenierung verstärkt. Wenn er die Personengruppen immer mal wieder zu Chören arrangiert, die auf russisch und deutsch kleine spießige Liedchen singen, ist das keine von Christoph Marthaler abgeschaute Masche, sondern der Kitsch ist - wie die Figuren, die Maxim aus Plastilin knetet - Ausdruck der banalen aber berechtigten Träume, die in dieser Wolfswelt auch für Stärksten niemals in Erfüllung gehen werden.

Das alles, funktioniert auch, weil im Zentrum zwei berührende junge Schauspieler stehen: Nicht nur Patrick Güldenberg als Maxim, sondern auch Markus Reymann als sein verlogener und scheinbar privilegierter Freund Ljocha geben ihren Figuren eine große Zärtlichkeit und machen umso erschütternder fühlbar, was es heißt, ein Kind zu sein in einer Gesellschaft, in der auch die meisten Erwachsenen nur verzweifelte Opfer sind.”
NDR Radio 3, 11. Oktober 2002,

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“Zwei verschrobene Gestalten erwarten wortkarg am Wegesrand einen ominösen Dritten. Es ist nicht Godot. Schnee liegt in der Schlosserei des Schauspiels Köln, für das Christoph Nußbaumeder das Auftragswerk "Mörder-Variationen" schrieb. (…)

Im Vergleich zu den letzten beiden Uraufführungen des derzeitigen Hausautors am Mannheimer Nationaltheater, (…) könnte man fast von Handlungsarmut sprechen, würde sie sein Repertoire nicht wesentlich bereichern. Die überbordenden szenische Dichte ist diesmal einer reduzierten wie rhythmischen strukturierten Erzählweise gewichen, die Regisseur Florian Fiedler sensibel begleitet.

Durch ein gelungen umgesetztes Geflecht an Ruhe, Gedanke und Pointe, entwickeln wir schnell Sympathie mit den versagenden Kapitalverbrechern, die uns (geschickt gemacht) als Muttermörder und Vergewaltiger doch wieder grausen.

(…) Das sind kluge Grundgedanken, die man gerne auf dem Theater sieht, aber in Köln so tun, als seien sie von Anfang an für alle und jeden unvorbereiteten Zuschauer offen lesbar gewesen.
(…) Wie nah aber Florian Fiedler bei Nußbaumeder ist und just auf jene Verhedderung auch inszenatorisch mit einem finalen Hektikanflug reagiert nimmt diesem Wermutstropfen jede Bitterkeit.

Ralf-Carl Langhals, Nachtkritik, 10.05.2008

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“Der 26-jährige Florin Fiedler hat "Der Kuss des Kohaku" uraufgeführt, und unter seiner Regie ist im Malersaal etwas entstanden, das man als Glücksfall bezeichnen kann.

Es ist ein starker Text mit rasanten wie radikalen Dialogen, die ihren Witz auf der Bühne entfalten, wenn die Schauspieler die Widerhaken ihrer Figuren auswerfen, wenn die Regie sich der Kunstfertigkeit des Textes, der sich auf eine merkwürdige Weise dem Spiel verweigert, selbstbewusst, aber irritiert nähert. Eine Stunden und zehn Minuten dauert das Spiel der vier (Sylvester Groth, Maja Schöne, Bjarne Mädel und Lisa-Marie Janke) um Fisch, Luft und Liebe. Die Szenen werden durch kurze Blacks und beschwingte Streicherklänge aus dem Off (Musik: Lieven Brunckhorst) portioniert, was wie ein Aufatmen, ein Moment des Luftholens ist, und die Musik steht dabei in einem irritierenden Gegensatz zur Schwere der beiden Paare, die nicht wissen, was man tut, wenn man sich liebt. (…)

Dem Text wohnt nicht nur eine subtile Komik inne, sondern auch eine artifizielle Distanzierung von den eigenen Sätzen. Peter Stamms Text ist zugleich todernst und in höchstem Maße selbstironisch. Das raut die klassisch angelegte Paarkonstellation auf und zwingt zu stilisiertem Spiel, um nicht Oberflächen zu bedienen. Wunderbare Schauspieler also, (…) Bei Maja Schöne ist zum ersten Mal zu ahnen, dass eine große Dame des Schauspiels in ihr steckt.”

Hella Kemper, Die Welt, 3.5.2004

“"Der Kuss des Kohaku" von Peter Stamm wurde im Malersaal von Florian Fiedler uraufgeführt. Die Inszenierung wird in Kooperation von Thalia und Schauspielhaus im Programm der Autorentheatertage gezeigt. Das spannungsvolle Sprachspiel über die Fragen der Liebe ist voll feinsinnigen Humors.

Fiedler stellt eine Versuchsanordnung her. Keine Geste, kein Wort gehen verloren in der feinfühlige Inszenierung und dem ironisch pointierten Spiel der ungleichen Paare. Stamms Stück ist wie Kammermusik für vier Stimmen, mit wiederkehrenden Motiven und Themen in Rondoform komponiert.

In der Liebe und im Leben umkreisen wir stets dieselben Fra-gen, ohne dass sich Antworten oder Lösungen fänden. Bei ihrer Suche sind die Figuren gefangen - wie der nach Luft schnappende Fisch im Plastikbeutel.

Die Motive des Textes setzen Regisseur und Spieler unaufdringlich ins Bild. Maja Schöne - in ihrer bisher überzeugendsten Leistung als Sandra - liegt einmal auf dem Boden: eine gestrandete Nixe. Sie will zurück in die Freiheit des nassen Elements und vermags doch nicht. Die Widersprüche von Denken und Fühlen zeigt auch Sylvester Groth, der sich spontan mit Monika (Lisa-Marie Janke) einlässt. Um den Kreis zu schließen? Deren Freund Günter (Bjarne Mädel) war früher mit Sandra liert, die ihn mit Michael betrog. Nur den Dingen ist zu trauen.

Klaus Witzling, Hamburger Abendblatt, Mai 2004

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Das Theater Oberhausen wird 101. Der Intendant beauftragt eine Gruppe hartgesottener Theaterfreund:innen damit, anlässlich des Jubiläums ein Stück auf die Bühne zu bringen. Die Freude ist groß, die Fragezeichen sind noch größer: Wer darf Regie führen und wie? Was ist wichtiger, die Kunst oder eine entspannte Probenatmosphäre? Warum ist die Autorin des Stücks eigentlich aus Gelsenkirchen und nicht aus Oberhausen? Wer ist der Tenor aus dem Weinfass und was sagt das alte Theater selbst dazu?
Diverse Hausgeister aus der Theatervergangenheit machen den Theaterfreund:innen zu schaffen und natürlich die Frage, für wen das Stück gemacht wird, für wen es gemacht sein sollte: für das Publikum der Vergangenheit, der Gegenwart oder der Zukunft? Zwischen Ruhrgebietskomödie und Diskurssatire erzählt Kohlenstaub und Bühnennebel die brüchige Geschichte einer Institution im Dienst der Kunst – vor dem Hintergrund der Geschichte des Ruhrgebiets der letzten 100 Jahre. Im Spiegel der Geschichte des Theaters erscheint diese als bodenlose Identitätssuche.

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“Florian Fiedler und seinen Schauspielern glückte eine ungewöhnlich souveräne Inszenierung.“
NDR Info 27.März 2007

“Florian Fiedler beherrscht schon ziemlich Virtus die modernen gewordene Erzählweise der neuen Schlichtheit. Das hat seine Vorzüge: klares, wohldurchdachtes Spiel, absolute Verständlichkeit des Geschehens. Stilsicheres Wandern zwischen den Welten des Realen und Surrealen, der zuckersüßen Ironie und des bitteren ernstes. Fiedler hat alles vorbildlich und preisverdächtig im Griff..“
Christine Adam, Neue Osnabrücker Zeitung, 26. März 2007

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